El blog del curso Crítica de Arte II (UPRM)

Hoy en día se habla de que la sociedad ha avanzado tanto en el campo científico como en el social. Tal realidad resulta innegable si consideramos hechos como que actualmente los niños no son forzados a trabajar sino a estudiar. Los trabajadores tienen beneficios y turnos de ocho horas; las horas extras pagadas como tales. La discriminación racial ha menguado en un gran porcentaje, al punto de poder añadir a la historia estadounidense el primer presidente de tez negra.  Y por supuesto, no olvidemos el movimiento feminista cuyos avances les abrieron las puertas a las mujeres hacia la ciudadanía, el sufragio, la educación y por consiguiente hacia la fuerza laboral.

Basado en todo lo anteriormente mencionado podríamos decir que las minorías han obtenido poder social con el paso de las últimas décadas. En esta ocasión no discutiremos el cómo han obtenido tal poder, sino si el mismo sigue siendo empleado o si los ciudadanos han caído en un estado de coma social, y el porqué de tal estancamiento mental. ¿Pudieran sus causantes ser una extendida celebración de victorias sobre los pequeños avances logrados? ¿O quizás una carencia de motivación para encontrar soluciones a los problemas actuales? En el peor de los casos, y el más real y culpable a mi entender, la causa se abastece en la sobre confianza del progreso social conjunto a la ignorancia socialmente universal de problemas que no han sido enteramente erradicados.

Es humanamente posible explicar la veracidad de esta declaración a través de cada uno de los dilemas sociales a los cuales vemos como a un iceberg, solo su cima, su superficie. Sin embargo, el espacio de redacción apremia, y por ello me enfocare en un tema tocado y trastocado, pero aun no desechado: el feminismo. O más específicamente, no el feminismo como movimiento en sí, sino de como este no ha logrado tocar y transformar bases fundamentales de nuestra sociedad.  Por ejemplo, la visión de la religión para con las mujeres la cual en un mundo tan atado a sus acondicionamientos espirituales es esencial para la formación social de sus integrantes.

Primordialmente discutamos, de manera sintetizada, ¿qué es el feminismo? Lejos de ser lo que muchas personas han llegado a pensar gracias a quienes denominare las femi-nazis (mujeres cuyos ideales y acciones denigran a las feministas y destruyen el verdadero objetivo del feminismo al creerse superiores a los hombres y exigir privilegios), el feminismo está compuesto por personas, independientemente de su sexo, quienes buscan la igualdad entre hombres y mujeres a través de movimientos políticos, culturales y económicos.

El feminismo, al igual que el resto de los movimientos sociales que han surgido a lo largo de la historia, hizo su aparición más prominente luego de revestirse con varias capas de conciencia social. Se ha nombrado a la primera fase moderna de este movimiento como “Feminismo e Ilustración” teniendo lugar en el siglo XVIII. Es en este momento en el que la también conocida como “Polémica feminista” surge con un discurso crítico influenciado por la filosofía de la Ilustración misma. Lamentablemente durante su época estas críticas no son más que escándalos sociales. No es hasta que se manifiesta la segunda fase la cual se desarrolla durante los siglos diecinueve y veinte que el movimiento feminista toma una forma concreta. Se divide en tres “Olas”. Influenciado y fomentado por la abolición de la esclavitud el movimiento feminista se concentra al principio de esta Primera Ola en obtener la igualdad con el hombre en términos de propiedad, trabajo y privilegios matrimoniales. Para finales del siglo diecinueve el enfoque se vuelca de lleno en la adquisición del derecho de sufragio, concedido para el 1918. Con esto la primera Ola llega a la orilla y el movimiento feminista queda a la espera de la Segunda Ola vigente durante el siglo veinte. Dura desde el 1960 hasta el 1990 y se presenta con amplias ambiciones entorno a conceptos como la familia y la sexualidad de la mujer, particularmente sus derechos de reproducción, y las desigualdades laborales. A diferencia de la Primera Ola, el fin de esta llega con la emersión de la Tercera Ola la cual comienza en el 1990 y se extiende, supuestamente, hasta el presente. Esta última Ola tenía como objetivo crear conciencia y cuestionar los estereotipos de la feminidad.

Considerando ese historial de los derechos sociales obtenidos por el movimiento feminista, parece quedar claro que se ha logrado el progreso social anhelado para las mujeres. Y aunque la Tercera Ola sigue en efecto, es lógico preguntarnos ¿qué más se pueden proponer alcanzar? Luego de obtener el sufragio, trabajo, libertad sexual, propiedades, y privilegios matrimoniales, ¿no sería injustamente codicioso de su parte pedir más?

No, porque de la misma manera que el sufragio, la ciudadanía y las leyes contra el discrimen racial no han eliminado el racismo, los derechos obtenidos por el movimiento feminista tampoco han podido deshacerse del sexismo cultural. Todas estas leyes que se han implantado con el propósito de lograr la igualdad entre sus ciudadanos aún no han podido tocar las raíces de la cultura, y como consecuencia contribuyen en hacerle creer al pueblo que ha superado sus días de machismo; que el feminismo ha triunfado.

Sin embargo, la verdad es otra. El movimiento feminista solo ha colonizado la punta del iceberg del que hablaba, pero el hielo sumergido es tan enorme como resistente. Ni el tiempo ni la ciencia han logrado desarticular una corriente subterránea canonizada y respaldada por las más poderosas instituciones sociales. De un lado se encuentra el gobierno aun patriarcal en su mayoría, el cual controla y manipula las masas con armas de popularidad. Por otro, un eclecticismo religioso judío-cristiano, prehistóricamente conservador, que es el respaldo de las instituciones políticas y la base del sistema cultural de nuestra sociedad.

Para evidenciar como estas dos corporaciones utilizan métodos populares y tradicionales para continuar la implantación de una doctrina cristiana y patriarcal la cual crea y controla la cultura y sociedad presente impidiendo el éxito de movimientos como el feminismo, sacare a flote una reconocida película del año 1992 llamada “Death Becomes Her” (La Muerte se Vuelve Ella).

“Death Becomes Her” es una película de humor negro, donde la gracia está en el sufrimiento ajeno; para comenzar con las remisiones religiosas. Para el deleite personal, además de la comedia, la película cuenta con el elenco protagónico de Meryl Streep como la presumida y vanidosa Madeline Ashton, Goldie Hawn como la envidiosa y rencorosa Helen Sharp, y Bruce Willis como el inteligente y dedicado Dr. Ernest Menville. Para resumir, la película trata sobre la enfermiza relación de amigas y rivales entre Helen Sharp, una aspirante a escritora y Madeline Ashton una actriz reconocida, y las consecuencias de sus vanidades sobre sí mismas y sobre el Dr. Ernest Menville.

“Death Becomes Her” es literalmente un recuento de la historia de Adam y Eva encontrada en el Génesis, pero con un cómico toque moderno. Tenemos a un hombre, el Dr. Ernest Menville, quien con su lucha interna sobre el bien y el mal, su rechazo de la ambrosia que le concedería la inmortalidad y su salto de fe, no puede hacer papel de nadie más que no sea Adam. Junto a él, encontramos dos mujeres, Madeline Ashton y Helen Sharp, ambiciosas de belleza, inmortalidad y fama. Seguramente dos Evas o si quisiéramos aventurarnos a rescatar a esa mujer ignorada dentro del judío-cristianismo, tal vez Madeline con su independencia y simbólica “castración” del Dr. Ernest Menville nos pudiera parecer más como una Lilith. Quien es Eva y quien es Lilith pudiera ser intercalado entre nuestras protagonistas, ya que ambas se exilian de la bendición de Dios, representado a través de un vitral de la Creación de Adam de Miguelangel, cuando aceptan la manzana de la serpiente o mejor dicho el caliz de Lisle Von Rhoman.

Es todo un deleite ver la película, te ríes en cantidad y te asombras de lo bien que utilizan los efectos especiales considerando la fecha de producción de la película. Solo asegúrate de no pensar. De no considerar las implicaciones detrás de las acciones de cada uno de los personajes, detrás del hecho de que todos los seres con cualidades negativas son mujeres, mientras que las buenas cualidades son representadas en el hombre. Ignoremos el hecho de que la única persona que le hizo verdadero daño tanto emocional (abandonando a la única mujer que lo amaba, Helen) como físico (tirando por las escaleras a Madeline y matándola en el acto) fue el inocente Dr. Ernest Menville, quien tal como Adam, es dictado por el Génesis como inocentemente crédulo, ignorante del mal, y por sobre todo, incapaz de cargar con la culpa proveniente de la consecuencia de sus acciones.

Si yo fuera capaz de ignorar todo eso, lo cual no lo soy, podría desatender la destrucción de años de progreso feminista. A la vez podría aceptar como alucinaciones propias la manera en que la iglesia continua echándole la culpa de todo mal a la mujer, y de como la creación de esta película por mas cómica que sea, solo confirma el trabajo en equipo de las instituciones populares y tradicionales para continuar educando una catedra machista a las masas, reforzando sus cimientos en el innato sentimiento de culpa de las mujeres.

El mundo no ha cambiado por que las raíces de los problemas no han sido extirpadas. El hombre continúa imponiendo su belleza como superior de la misma manera que lo hacían los griegos, excepto que ahora la belleza que admiran es la espiritual. El hombre, es el ser puro, fiel, leal, dedicado, y por ello hermoso. Mientras que la mujer es relegada a sucumbir ante la mundanidad de sus ambiciones, rencores, envidia, vanidades, externalizando su pecado como fealdad física. Mujeres tan impuras no obtienen el perdón de la vida, a diferencia del Dr. Ernest Menville quien sobrevivió una caída de varios pies a través de un techo de cristal hacia una piscina por simple gracia de divina. Al contrario, ellas están destinadas a vivir el resto de su eternidad en sus putrefactos cuerpos.

Simplemente no es posible que el feminismo pueda dar otro paso hacia el progreso si subconscientemente seguimos pensando que las mujeres son el mal de la misma sociedad a la que pertenecen y para la cual trabajan. De querer un verdadero cambio, la sociedad debe reaccionar y concientizarse sobre cómo y cuándo le están lavando el cerebro.

       “Demolerán a su vecino”, de esta manera se titula el artículo del periódico de Puerto Rico, El Nuevo Día, el pasado 13 de abril. Aquel que está interesado o involucrado de cierta manera en el ámbito de las artes, conoce que el Museo del Arte Moderno en Nueva York es uno de los más importantes y reconocidos en este ambiente artístico. Por tal grandeza que se le adjudica, quizás no sea de gran importancia – o de muy poca – si se tratara de ampliar el mismo. Pero ¿qué pasaría si se trata de la demolición de otro museo?  ¿Dejará de ser tan importante? ¿Qué pasara con su estructura? Estamos seguros que no tiene la misma importancia que tiene el MoMa, si se busca demolerlo.  Según este artículo, el MoMa pretende demoler el Museo del Arte Popular Estadounidense, un edificio contemporáneo de solo doce años.

Amrican Folk art museum

Centralizado, El Museo de Arte Popular Estadounidense

El MoMa compró el edificio con la intención de expansión, pero el museo vecino tiene los pisos a distinta altura y su fachada externa, de placas en bronce –muy aclamadas por los críticos-  no va de acuerdo con el tema que lleva el MoMa de edificio abierto y paredes de cristal. El joven museo de solo dos años, se espera sea demolido a finales de este año. Un museo de tema algo “tradicional”, por sus exposiciones de este tipo, lo aparta del mundo moderno actual como lo es el lugar donde se ubica. La gran ciudad de Nueva York lo convierte en un concepto de escaso interés comparado con el MoMa. El Museo del Arte Popular Estadounidense, con solo dos años de fundado, pronto concluirá su debut y despedida, por lo menos en ubicación, debido al crecimiento desmedido de su colindante.

Con más de tres millones de visitantes anualmente, el MoMa ha creado de su espacio uno rico en selección y contexto, creándose una institución alucinante. Lleno de poder, el MoMa guiado por su ambición aún desea recibir más, en este caso destruyendo a los más desdichados. No hace mucho tiempo que el MoMa culminó con su primera duplicación de espacio ganando 630,000 pies. Las víctimas fueron dos edificios, el Rockefeller Building Peggy y David, (Jardín de esculturas inaugurado en el 2004), y Dorothy Cullman (Salón para la educación e investigación de construcción abierto en el 2006). Por lo tanto, la actual expansión, será solo una más.

MoMa

Museo de Arte Moderno (MoMa)

        Sorprendentemente, la demolición del vecino no es el único plan que tiene el famoso museo. Además de esto, se pretende alzar una torre de 1,250 pies, llamada La Torre Verre, diseñada por Jean Nouvel. Esta torre lleva planificándose desde hace varios años, pero por problemas de ubicación y costos aun no ha sido alzada. Inicialmente la torre sería igual de alta que el Empire State Building, pero la Comisión de planificación de ciudades de Nueva York solo aprobó 1,050 pies de altura provocando la burla y decepción de muchos críticos arquitectónicos a los cuales les parecía atractiva la idea de un nuevo edificio moderno de gran altura. Esto nos recuerda el caso del edificio Chrysler construido en 1930 con el propósito de ser el edificio más alto del mundo, para su desdicha su fama solo duro unos once meses, cuando el Empire State Building lo superó. Con un estilo art déco, el Chrysler de William van Alen es clave para la entrada del modernismo en Nueva York. La Torre Verre quiso ser el Chrysler posmodernista.

 Torre Verre

Vecino Nuevo para el MoMa, el cual planifica la extensión de sus galerías hacia el interior de una nueva torre de 74 pies de altura. La conoceremos como “La torre Verre”.

        Ahora bien, el MoMa continuará creciendo hasta que cubra todos los rincones de su afán, pero ¿dónde queda el valor de un museo? Por pequeño que sea o insignificante que parezca para algunos el hecho de defensa histórica merece un grado de respeto. Esto no solo aplica en su contenido como museo, sino también en la propia fachada como obra de arte. Por lo que ciertamente parece injusta la desvalorización del Museo de arte popular estadounidense. El mismo contiene una variedad de temas, desde las artes tradicionales como lo es el retrato, artes escolares, muebles pintados y cerámicas, a las perspectivas poco reconocidas cuyas expresiones creativas desafían la categorización. En fin, el Museo del Arte Popular Estadounidense representa de la mejor manera el ambiente artístico americano del pasado y el actual.

Como anteriormente mencioné, el edificio del Museo de Arte Popular Estadounidense, en el momento de su construcción, fue muy aplaudido por los críticos y el público. Su fachada en placas de bronce, sin duda lo convertía en un edificio excepcional y atractivo por lo cual su demolición para muchos nos parece atroz. De esta manera expresa el propio Museo de Arte Popular, quien aceptó el dolor de sus diseñadores y creadores Billie Tsien y Tod William, ante la demolición de su tan preciada obra.

Para apacentar nuestras emociones ante la injusticia mencionada, el propio museo, en su página web oficial, escribió el pasado once de abril: “¡El edificio no es el museo! ¡El museo no es el edificio! “… “¡Sigue vivo!”, esta es la expresión que utilizan para describir el estado actual del museo y para calmar al público ante tanto revuelo.  El Museo del Arte Popular se ubicó en el Lincoln Square de Manhattan, Nueva York y expone como lo hace desde sus comienzos.

Desconsoladora es la pérdida de un edificio como lo es el diseñado por Tsien y William. En cierta parte ganaremos, pero ¿cuántas obras artísticas sustituyen una gran obra artística arquitectónica? Una serie de arquitectos y críticos de alto perfil, incluyendo Annabelle Selldorf  (Neue Galerie New York), Steven Holl (Biblioteca de Berlín AGP), Wendy Evans Joseph (Renovación de la torre de oficinas de Lloyd Wright en Oklahoma), Thom Mayne (Torre de Seúl), Richard Meier (Museo del arte contemporáneo en Barcelona), Michael Sorkin (Crítico arquitectónico) y Robert AM Stern (Biblioteca pública en Ohio), se han unido a la campaña para salvar el edificio del Museo de Arte Popular Estadounidense. Cada uno ha firmado una carta abierta, escrita por Architectural League of New York, pidiendo al MoMA el repensar sus planes de demolición. No se pretende desvalorar al MoMa por su egocentrismo, tiene excusas de peso para serlo y no le resta –irónicamente-  que siga siendo un museo de suma importancia. Mientras tanto, si continúa en pie su expansión, de igual manera estaremos los oponentes de este plan. Veremos como un museo de arte culmina la vida de una obra maestra.

Por: Alejandra Rentas

“Creo que deberíamos darnos un break”, estas palabras tienen el poder de remontar a cualquier persona de vuelta a un momento, que seguro se recuerda con un dolor en el pecho. Así comienza el cortometraje Alex y Fabio Ya No Están, con el final. De entrada, el espectador es invadido con sentimientos alimentados por la simpatía hacia los protagonistas. El gancho está ahí, ya sea porque has sido víctima de estas palabras o en algún momento hayas pronunciado la aterrorizante frase, uno se identifica con la trama a un nivel personal. Entonces, es muy tarde y nos encontramos sumergidos en la nostalgia y el desamparo del protagonista. Desamparo que a medida que se desarrolla el cortometraje se intensifica hasta llevar a su víctima al colapso. Por lo tanto el espectador se convierte testigo del tormento infligido por las memorias, incitadas a su vez por el desconsuelo de Alex. Esta, exactamente, era la ambición del escritor Edward Andres, y que junto al director novel, Alejandro D. Orengo, y el perceptivo fotógrafo, Fran Casillas, logró escenificar.

El cortometraje de quince minutos de duración, de cierta manera documenta la relación entre dos jóvenes homosexuales que, a pesar de tener al amor de su parte, no sobrevive como muchas otras relaciones. Resulta que el escritor, Edward Andres, se inspiró en su experiencia personal y al no saber cómo expresar las emociones que una mujer experimenta durante una relación y en el fin de esta, decidió construir la historia desde una perspectiva conocida, la del hombre. Es así como proyectó sus emociones en ambos personajes. Entonces la veracidad de las emociones conmueve al público pues, ¿quién no se ha visto en ambas situaciones en algún punto de su vida? Por lo tanto resulta interesante lo que un final puede incitar.

Como mencionado, la primera línea en el filme resulta ser la última en la relación, es por esto que el director se apoya en las técnicas del “flashback” y el “flashfoward” para crear la narrativa. Sin embargo, no se experimenta la sensación de salto entre escenas, sino que las transiciones mantienen una continuidad fluida a través de todo el montaje cinematográfico. La diferencia temporal se puede percibir en el estado anímico del personaje principal. Alex, por ejemplo, se sumerge en el recuerdo de una noche apasionada con Fabio, en esta él se muestra radiante y bastante fascinado. Sin embargo, de vuelta en el presente, Alex despierta del trance para encontrarse con el recuerdo de Fabio, personificado, atormentándolo e impidiéndole continuar en la cama con un extraño. Es entonces exquisito como se logra representar la presencia sombría de una memoria mortificante.

El hechizo del cortometraje puede ser mesurado por los diferentes elementos cinematográficos, que en armonía, nos envuelven en el torbellino de emociones que los protagonistas experimentan. El dominio de los primeros planos a lo largo del filme nos inmersa en un ambiente íntimo. Este es un factor esencial para afectar la sensibilidad del espectador hacía con la trama. De igual manera la técnica cinematográfica del “travelling” usada para seguir a Alex durante el “jangueo” recrea el caos propio de la vida de Alex sin Fabio. Caos que se regulariza en el momento que Fabio se le acerca pidiendo fuego para su cigarrillo. Entonces gracias al encuadre fotográfico, y la química entre los protagonistas, la culminación de la escena nos deja con un alivio momentáneo.

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Aprovecho entonces para distinguir la fotografía del camarógrafo, Fran Casillas. Esta es digna de reconocer por su naturaleza fresca e innovadora. Esta se moldea de acuerdo a la situación que está siendo capturada. Como es el caso del colapso de Alex, que a su vez es creado por las memorias espléndidamente recreadas por el lente creativo de Casillas. Las memorias, que inadvertidas se cuelan por las grietas de un alma quebrantada, han sido creadas  por los planos de detalles de la boca y, en especial, de los ojos de Fabio. La imagen de los ojos de Fabio, es una etérea que nos sacude emocionalmente, infligiendo en el público una compenetración con el tormento de Alex. Este, intentando huir, ahoga sus penas en los bares del ambiente nocturno en Mayagüez y borracho se apoya de un poste de luz. Aquí el encuadre corta su cabeza representando así a un Axel fragmentado, incompleto.

Los planos de detalles, por lo tanto, se convierten en una herramienta sustancial en la creación de la narrativa. Es así como Orengo, el director, nos presenta el MacGuffin, o la motivación de Alex a través de la historia. La tapa de cerveza carga consigo la promesa de Alex a Fabio mientras estos estaban juntos. Como profesa Alex: “Cargaré el aguacero sobre mi espalda, el aguacero que empaña mis esperanzas… Si te diriges a mí, aunque tenga el cuerpo herido, puedo levantarme”, esto ayuda grandemente a comprender el final. Alex es lo suficientemente fuerte para entregarle la tapa a Fabio, quien ha corrido detrás de él y le ha parado con un rostro esperanzado. Sin embargo, Alex al entregarle el MacGuffin le pasa de por si el batón a Fabio, pues nadie sabe lo que tiene hasta que lo pierde, esta es la lección que le toca aprender.

La escasez de diálogo en Alex y Fabio Ya No Están, es admirable. No hace falta mucha conversación, lo precioso del filme es exactamente eso. Las conversaciones son las necesarias para conocer más de nuestros protagonistas, el resto se encuentra en el interior, y eso se lo dejamos a Fran Casillas, para explorar. La historia es desarrollada por una sinfonía visual. Alejandro D. Orengo explica: “…pienso que el diálogo debería ser un método de exploración para los personajes, y para darle profundidad a ellos, no un método de movilizar la trama o escupir detalles sin ser enseñados”. Profundidad lograda con la escena de la playa en la que interesantemente, Alex, es quien revela más de sus sentimientos. ¿Es esto una alegoría de su compromiso a la relación? Si lo comparamos con la reacción de Fabio, esta escena establece muy bien los roles de cada cual en la relación. Lo que a su vez es evidenciado por el comienzo del corto y la frase que provoca todo el desenfreno subsiguiente.

Es fundamental entonces aplaudir la excelencia de la producción en su totalidad. El “cast” fue elegido con unas pinzas que dotan de una precisión espléndida. Escogidos por el mismo escritor, Alex representado por Gaddiel Ruiz y Fabio personificado por John Kirkland, ambos encarnan extraordinariamente el papel de enamorados. La química es palpable, tal vez por la naturaleza franca de la relación en la vida real. La actuación es una fluida y no forzada. El cortometraje posee una calidad audiovisual admirable, considerando que fue lograda carente de presupuesto y de equipo cinematográfico avanzado.  No se siente que fue hecha en Puerto Rico, y lamentablemente, acepto que esto le pone en un status superior al de otras producciones locales. Esto se le puede atribuir al prodigioso trabajo del director.  Alejandro D. Orengo, es portador del Certificado de Cine de nuestro recinto Mayagüezano y actualmente cursa sus estudios de maestría en Cine y Televisión en Savannah College of Art and Design. En el pasado, Rincón International Film Festival del 2012, fue premiado con el Director’s Choice por su cortometraje Fulcro. Igualmente los cortometrajes de Fran Casillas, han entrado al festival en varias ocasiones. Casillas actualmente termina sus estudios en filosofía y también pertenece al Certificado de Cine, y recientemente fue galardonado con una beca para estudiar durante el verano en el New York Film Academy.

Es entonces imperativo distinguir la oportunidad que le brinda el Certificado de Cine a estudiantes pioneros en el género para poder desarrollarse profesionalmente. Cabe destacar a los estudiantes egresados del certificado, Derly Pérez y Ángel Orlando Vélez, que lograron entrar en el Festival Internacional de Cine de Cannes, Francia. Sin embargo, resulta triste que este logro no fue publicado por los medios de comunicación local y de hecho la Universidad de Puerto Rico no brindó su ayuda para que estos estudiantes pudieran asistir al festival. Aun así los estudiantes de la Facultad de Artes y Ciencia consiguieron recaudar el dinero para enviarlos. Es lamentable que logros como estos sean explotados en el catalogo de la universidad y sin embargo los estudiantes no recibieron el trato merecido de parte de la institución. Invito entonces a que nos involucremos más con este género que va por un camino de prosperidad asegurada. Pero en especial recalco que se mantengan al tanto de los proyectos de Orengo, Casillas y Andres que con sus logros han demostrado que van orientados directo al éxito. Concluyo resaltando que la esperanza de un cine apto para competir con los magnates internacionales del cine, yace en esta nueva generación de cinematógrafos puertorriqueños que acarrean el nuevo talento local.

Por: Dailyn Gomez Serrano

El arte, desde su comienzo ha sido apreciado y/o criticado por la sociedad. Muchos artistas, durante el pasar de los años han intentado mejorar sus técnicas en las distintas facetas del arte, para lograr ser los mejores de cada época. Mientras unos hacen hasta lo imposible por mejorar, otros apenas logran comenzar su larga travesía. Por eso, diversas personas conocedoras del arte en cada época, se tomaron o se han tomado la tarea de estudiar obras de los distintos artistas y de las diversas tendencias que existen, y de esa manera escoger el mejor o las mejores. Un ejemplo de esto, es el famoso Salón de París  creado en el 1725, hecho para seleccionar las mejores obras y exponerlas para que el público importante de la época pudiera verlas, darle la aprobación o simplemente desaprobarlas. Pues como en tiempos anteriores, seguidores del arte han creado un certamen con ese propósito, de encontrar un nuevo artista y premiar a los mejores artistas del momento. Este concurso se llama, Premio Brasil 2013- Arte Emergente.

Como indique anteriormente, este busca un nuevo artista, por tanto se ha creado este nuevo concurso, el cual hace su primera edición este año, específicamente el 20 de marzo de 2013. El premio intenta contribuir y ayudar con la profesionalización de los artistas locales. También buscan fortalecer los diálogos e intercambios entre los artistas de Ecuador y Brasil. Estos desean impulsar la carrera de nuevos artistas jóvenes en el arte contemporáneo. Tienen la intención, de que estos,  a través de las artes visuales puedan demostrar sus talentos. Para la competencia,  se hizo una convocatoria de 3 a 4 meses antes de la misma, donde se  buscan jóvenes menores de 30 años que tengan alguna habilidad para el arte. Para esta, 90 jóvenes enviaron sus solicitudes y solo 15 de ellos fueron escogidos por la junta de selección para competir. Esos 15 pre-seleccionados, tenían la tarea de enviar sus trabajos antes del 15 marzo de 2013, con la idea de que el jurado pudiera analizar con tiempo las propuestas enviadas. En la noche final se escogieron tres menciones honorificas y por consiguiente el ganador.  Quien saliera victorioso del certamen, se llevaría la oportunidad única de recibir la ayuda necesaria para poder realizar sus proyectos. Como premio, tendrá los incentivos para terminar sus obras, la facilidad para reconocer las rutas de promoción y de esa manera aumentar las ventas de sus obras. Podrán hacer este cometido, ya que se les dará la oportunidad de exhibir sus obras en importantes museos de Brasil; con la ayuda de curadores, museógrafos, educadores, mediadores y otros, con la intención de llamar la atención de los seguidores del arte y del público en general. Esto a su vez le ayudará a intercambiar ideas con artistas locales y del exterior. El jurado seleccionado para escoger el ganador y las menciones honorificas son artistas contemporáneos entre ellos: Valentina Brevi, Iván Garcés, Patricio Ponce, Ileana Viteri y Cristóbal Zapata. La persona encargada de entregar el premio fue el  reconocido artista y curador brasileño Gêraldo Orthof Pereira Lima. Esa noche quien ganó el galardón fue Adrián Balseca y las menciones honorificas Carlos Vargas, Diego Ledesma y Johanna Villavicencio.

Este joven de tan solo 24 años, ya había hecho unas cuantas obras antes de entrar en la competencia. Entre algunas de las obras de Adrián Balseca se encuentran la obra “Sin título” (Luz de América), “Fundiciones” y “Toma de luz”.  “Fundiciones”,  tiene el aspecto de una campana. Es de hierro y tiene un color oro. De la misma sale un pedazo de soga.  La campana está  amarrada a una soga, la  cual esta agarrada a un pedazo de madera que está pegado a la pared. La composición esta en un fondo blanco. Tiene escrita en la campana, Todo ladrón será quemado. La “Toma de luz”, es una lámpara de cristal que prende en el centro de una galería. Obras que han dado mucho de qué hablar, porque hace uso del alambrado eléctrico público para prender sus obras.

La obra con la cual ganó el certamen se llama “Sin Titulo” (Quito luz de América). Esta obra originalmente fue hecha por Mauricio Bueno y curado por Adrián.  La misma consta de varias bombillas  en diferentes tamaños, formas y colores. Es un paisaje que brilla con luz neón, en colores rojo, verde y azul. El color verde usado para representar las montañas, el azul para dar alusión al agua y el color rojo quizás para darle un marco al paisaje. Según Balseca, el no deseó copiar ni mucho menos apropiarse la obra de Mauricio, si no que quiso trabajar con la misma para darle un nuevo significado[1]. Para el jurado que escogió la obra como ganadora del certamen, esta obra es muy madura para la edad que tiene el artista, ya que la misma tiene elementos y materiales que son muy poco utilizados por los artistas. La misma tiene igual peculiaridad que las otras, y es que utiliza alumbrado eléctrico para prenderlas.

Para mí, esta es una obra que va más allá de lo material. Tiene un significado más patriota, haciendo alusión a lo que es Quito. Aun que esta no sea tan impresionante en cuanto a su aspecto físico como quizás hubo otras, pero su significado va más allá de lo esperado.  Para mí, Adrian es un excelente artista, tiene mucha creatividad y un gran potencial. Espero a través de los años poder ver más obras impresionantes de su parte.

Además que el nacimiento de un nuevo artista sea un gran acontecimiento en el arte también lo es la búsqueda del mismo. Para culminar hablando un poco acerca de los certámenes y/o competencias, creo que son completamente necesarios tanto para el artista, como para el público en general. Para el artista este es de importancia vital en muchos aspectos. Les sirve como escuela, ya que en este empiezan a perder un poco el miedo, al enfrentarse al público en general y a los posibles críticos a los que se enfrentaran por el resto de su carrera profesional. También los ayudará a promocionar tanto su obra, como a él mismo como artista, lo que con el tiempo les facilitará la venta de sus trabajos. Para el público en general, este será utilizado como guía para poder escoger quien es el mejor, o sea, tendrán la oportunidad de juzgar ellos mismos y tomar la determinación de quién es el artista que hará su obra. En términos generales, hacer este tipo de concursos da la motivación necesaria tanto para los artistas participantes, como para los futuros artistas a seguir adelante sin importar las piedras que se le crucen en el camino. Deseo que este tipo de certámenes pueda ofrecerse tanto en Quito, como en otros países, para que de alguna u otra forma poder fomentar el arte en el resto del mundo.

“Sin Titulo” (Quito luz de América)


[1] Este contenido ha sido publicado originalmente por Diario EL COMERCIO en la siguiente dirección: http://www.elcomercio.com/cultura/exposicion-premios-Centro_de_Arte_Contemporaneo-Brasil_0_887311278.html. Si está pensando en hacer uso del mismo, por favor, cite la fuente y haga un enlace hacia la nota original de donde usted ha tomado este contenido. ElComercio.com

http://premiobrasil.wordpress.com/

Por: Bárbara W. Pérez Rodríguez

El pasado 18 de abril de 2013, tuvo apertura la Exposición Anual de Estudiantes del Recinto Universitario de Mayagüez. Es esta una de las más esperadas actividades por los estudiantes amantes del arte, que cabe aclarar no se reducen a los de dicha concentración, puesto a que la convocatoria es abierta a todo el estudiantado del Recinto. Fue una noche llena de emociones para sus participantes, ya que, como bien mencionó Yariel Caraballo, presidente de la Taller Artístico Creativo Universitario (T.A.C.U.), es este el momento de presentar a nuestros compañeros, profesores, familiares, amigos y a nosotros mismos, el resultado de nuestro esfuerzo durante todo el año.

La exposición cuenta con 36 obras de 23 estudiantes en variedad de medios: pintura, dibujo, grabado, fotografía, cerámica/alfarería, mosaico, vitrales, escultura, medios mixtos y más. Y aunque todas muy buenas obras, cada una con su particularidad y encanto, hubo una que fue la que captó mi atención tan pronto como puse un pie en la sala. Fue inevitable, no miré ninguna otra, no hasta haber observado cada esquina de esta fascinante pieza. Era una de las obras de Cosme Vélez.

“La blusa de Lilo”
Cosme Vélez
Mosaico
22″ x 25″ x 28″

Se titula “La blusa de Lilo” una escultura de 22” x 25” x 28”. Lo más impresionante de ella es que está casi completamente forrada en mosaico. Las teselas de variedad de tamaños, materiales y colores, cubren una Visetti montada en su mesa, y una blusa a medio coser. Su atención por el detalle resulta encantador. Tiene carretes de hilo los cuales, en lugar de hilo, cargaban cuerdas de  canutillos. La parte inferior de la mesa tiene un compartimiento para ubicar un alfiletero, también en mosaico, y con muchos alfileres. De la particular blusa azul, ni hablar. La blusa es real (de su mamá), completamente cubierta de azulejos. Pero tiene hasta sus botones y mantuvo los dobleces que simulan el caer de la tela. Sí, aun cuando los materiales para hacer mosaico hacen que la pieza sea pesada, la blusa parece caer, se ve liviana.  Predominan en la pieza los colores claros y de tonos pasteles, y junto a esto, los patrones curvilíneos que traza con las teselas en la mesa de la máquina, hacen que la pieza evoque  delicadeza, que sea sutil,  con cierto aire de inocencia, de ensueño y de fantasía.

Detalles de "La blusa de Lilo"    Cosme Vélez    Mosaico    22" x 25" x 28"

Detalles de “La blusa de Lilo”
Cosme Vélez
Mosaico
22″ x 25″ x 28″

Vélez fue uno de los pocos estudiantes a quienes les fueron aceptadas las tres obras sometidas en la convocatoria. Este talentoso estudiante, quien es el mayor en edad de los participantes, es un artista por vocación que no fue hasta hace poco que se convenció de que el arte es su verdadero destino. En 1984, al graduarse de escuela superior, fue orientado para hacer una carrera en arte, pero prejuiciado por las opiniones que durante generaciones han existido sobre la profesión de ser artista plástico, pensó que era vergonzoso y desistió de la idea. Ese mismo año, decidió entonces ingresar al Colegio, pero por otro departamento que le preparase para ser veterinario, Industrias Pecuarias. Sin embargo, en su primer laboratorio de ciencias pecuarias se dio cuenta de que jamás estaría dispuesto a palpar fetos de becerros por el recto de una vaca; “Me salí de la fila y luego del Recinto”. Luego de esto terminó un grado asociado en artes gráficas y trabajó en este campo durante cinco años en varias agencias de publicidad en el área metropolitana en Puerto Rico. Posteriormente, regresa a Cabo Rojo y establece su propio negocio de recordatorios, artesanías, y arreglos florales que operó desde 1992 a 2007. No es hasta el 2008, que decide regresar al Colegio 24 años más tarde a hacer su bachillerato en Artes Plásticas. Indudablemente, ha sido esa una excelente decisión. Me parece que Cosme Vélez, es uno de los estudiantes más talentosos que tiene el programa de Artes Plásticas del Colegio. Considero admirable el hecho de que, como bien refleja la obra previamente discutida, ha sabido sacar provecho de sus vivencias, conocimientos, experiencias laborales, sociales y personales, para la creación de sus obras.

Cosme Vélez

Cosme Vélez

Como ya mencioné, esta obra es el resultado de una experiencia vivida con su mamá, quien es paciente de Alzheimer, y que durante el pasado mes de enero fue hospitalizada de emergencia ya que no reaccionaba, aparentando un derrame cerebral.  Lilo, como cariñosamente le llaman, había estado bebiendo medicamentos contra las alucinaciones puesto que, según relata Vélez,  en días previos a la hospitalización se había mostrado ansiosa y alucinaba con J.F. Kennedy, Ronald Reagan, sus padres y algunas amistades. Hablaba con ellos, les cocinaba, y hasta les hablaba por teléfono en inglés (algo muy extraño es que ella no sabía hablar inglés anteriormente). En el hospital estuvo en coma en dos ocasiones,  79 libras, débil y deshidratada, con la boca virada, sin poder enderezar sus brazos ni caminar. Pero inexplicablemente, su corazón estaba intacto.

Eventualmente, los médicos descubrieron que su crisis había sido causada por los medicamentos que le habían recetado para las alucinaciones. Un tiempo después, luego de haber despertado del coma, Lilo fue diagnosticada con demencia senil. Su hija, hermana de Vélez, vino de Estados Unidos a cuidarla, y se dio a la tarea de arreglar y ajustar toda la ropa a su mamá, ya que por su gran pérdida de peso, todo le  quedaba grande.  Es por esto que viene a la mente de Vélez el recuerdo que, cuando él era niño, su madre cocía.

A su regreso a clase, le informan a Vélez que tiene que trabajar para una de sus clases en la creación de una escultura con materiales reciclados. Así que decide utilizar la reciente experiencia como inspiración. Y así, utilizando la vieja máquina de su mamá, una blusa, un alfiletero, unos carretes de hilo, un bloque de foam encontrado en la basura, su conocimiento sobre el mosaico y toda su creatividad, decide transformar ese difícil capítulo de su vida en una pieza de arte. Los colores utilizados en ella tienen un significado especial, pues, según me indicó, son  la gama de colores que predominan en el closet de su mamá. La blusa por otra parte, fue escogida estratégicamente, ya que,  tras su salida del hospital, Lilo buscó un traje azul cielo para que su hija lo planchara porque quería ser enterrada con ese traje. Y es que el azul claro es su color favorito.

Esa experiencia al límite, grave, que lo llevó al borde del abismo de la tristeza, fue una que sin duda lo marcó, pero a su vez lo hizo crecer como persona, como hijo, como hermano, pero afortunadamente, y para el deleite de todos los que admiramos sus obras, también lo hizo crecer como artista.

“La blusa de Lilo”  ha sido  una de las pocas obras participantes de una exposición estudiantes que ha logrado atraparme, conmoverme y dejar una huella en mí. De igual modo fue sumamente admirada por el público que se dio cita  la noche de apertura, o que ha visitado la exposición en los pasados días.

Quizá para algunos artistas, sus obras son el resultado del talento, del esfuerzo, de la creatividad, del conocimiento, o hasta del buen manejo de los materiales y/o medios. Personalmente, es la historia detrás de cada obra la parte que siempre me resulta más fascinante de cada pieza. Su musa, los motivos, los recuerdos que conserva, el significado de cada detalle, el lugar donde fue creada, las heridas que ayudó a sanar…

La Exposición Anual de Estudiantes permanecerá abierta hasta el 20 de mayo de 2013 en la Galería de Arte en el edificio Chardón del Recinto Universitario de Mayagüez. Les invito a visitarla y a disfrutar de todas las obras participantes.

Por:  Ana V. Rodríguez Rodríguez

William Lindsay Windus nació en el 1822 en Liverpool y murió en el 1907. Desde muy joven se había interesado en el arte y fue aprendiz del pintor William Daniels. Luego estudió en la Academia de Liverpool. En el 1850 decidió unirse a la Hermandad Pre-Rafaelista (éste fue un movimiento de arte que desafiaba las “reglas” de La Academia, su estilo era muy preciso y realista). Su obra “Burd Helen” fue exhibida en la Academia Real en el 1856 y gracias a que Dante Gabriel Rossetti y John Ruskin la aprobaron, William Lindsay Windus se hizo famoso. Otras de las obras por Windus son; “The Outlaw”, “The Stray Lamb”, y la otra única obra que fue exhibida en la Academia Real, “Too Late”. Esta última que he mencionado será la protagonista de esta crítica.

William Lindsay Windus, “Too Late”, 1858

La obra “Too Late” (1858) fue realizada en óleo sobre lienzo, sus dimensiones son 952 x 762 mm y actualmente se encuentra en el Museo Tate. La pintura está compuesta de cuatro personajes, siendo tres féminas y un varón. La primera mujer que tiene un traje color verde claro y se encuentra a la izquierda del cuadro, se puede apreciar que es una mujer un poco mayor, esto lo podemos ver por la forma en como su rostro fue representado y por el estilo de la ropa que tiene puesta. Esta mujer se ve cansada, enferma, tiene la mirada perdida, y en su mano derecha aguanta un bastón. Luego de esa dama, se encuentra una muchacha con un vestido color violeta que abraza y consuela a la señora de manera empática. Después observamos a una pequeña niña de pelo rubio con un traje verde y amarillo que mira hacia arriba y observa con detenimiento al otro personaje, que es el hombre. Este tiene un atuendo color crema y se tapa el rostro con su brazo izquierdo. Todas estas personas en la pintura se encuentran al aire libre, en un paisaje con tonalidades verdes, amarillas, y colores tierra.

Esta obra fue acompañada con un fragmento del poema “Come not when I am dead” (No vengas cuando este muerto) , por Lord Alfred Tennyson. El fragmento decía:

If it were thine error or thy crime


I care no longer, being all unblest;


Wed whom thou wilt, but I am sick of time;

And I desire to rest.

Jean- Baptiste Greuze, “L’Accordée de Village”, 1761

Este fragmento nos dicta la historia de la señora, que es una mujer que ya no quiere vivir por que su amado, (el hombre que se cubre el rostro) llegó muy tarde y ya no podrán hacer una vida juntos. Si observamos bien Windus logra esa expresión de depresión en la dama que se ve triste, enferma, sin esperanzas, esperando la muerte que es ya lo único que le queda y nos recalca suestado de tristeza colocando a la jovencita (que podría ser su hija) consolándola. No cabe duda en que esta obra podría ser comparada con “L’Accordée de Village” (1761) por Jean- Baptiste Greuze (pintor francés realista) no por su estilo, sino por el tema melancólico. Aunque este cuadro trata de ilustrar el sufrimiento que experimentaban muchas familias al casar a sus hijas (os) para asegurarles un futuro mejor, se puede sentir en la obra que es un tema triste y que reflejaba la realidad de algunas familias al igual que el cuadro de William Lindsay Windus.

Por mi parte al ver esta obra sin leer el fragmento, vino a mi mente, que la señora se encontraba en un estado de “shock” por que le había llegado la noticia de que alguien muy importante de su vida, falleció. Me dio a entender que el hombre que le trajo esta noticia era el “protector” (de la persona fallecida) y que se tapaba su cara por que estaba avergonzado de no haber protegido a esa persona. Por otra parte la muchacha que abraza a la señora, interpreté que ella podría haber conocido a “la persona fallecida” y trataba de consolar a la señora y la niña, la cual simplemente observaba al hombre con curiosidad por que no comprende lo que sucedió. Otra interpretación que vino a mí (leyendo el fragmento), es que la niña y la señorita simbolizan los años que la señora esperó por su amado que lo pudo haber conocido en su niñez. Cuando era niña, simplemente observaba con curiosidad, luego en sus años de juventud empieza a perder esperanzas en que volverá a verlo, y ya en la vejez, no le quedan ganas de vivir su amor por que su enamorado esperó demasiado tiempo para volver por ella.

Finalmente, pienso que la obra de William Lindsay Windus es fantástica por que muestra una situación que se da en la vida de muchas personas y plasma los sentimientos de los personajes del cuadro. Además que nos da un espacio para que nosotros, los espectadores, la interpretemos a nuestro entendimiento. También creo que era un artista muy talentoso, por la forma tan elegante y delicada en que pudo representar esa situación tan difícil. Me fascinó los colores que decidió utilizar en los vestidos de las damas y al misterio que añadió al hombre ya que no tenemos idea de como es su rostro (por que está cubierto por sus manos). Personalmente me hace preguntarme si Windus le cubrió la cara al hombre, representando que había pasado tanto tiempo que ya la mujer no se acordaba de su cara o que simplemente el señor estaba tan avergonzado que cubría su rostro. También debo añadir que el paisaje que decidió pintar es muy acogedor, y me llama mucho la atención, el paisaje seco, me hace recordar las flores marchitas y por tanto el estado de la señora, que siente que morirá pronto. Es una pintura muy bella y triste al mismo tiempo que nos hace sentir empatía, tristeza y pena hacia la señora. Y por último, pienso que el tema que William Lindsay Windus escogió en esta obra es tan trascendental e universal que hasta hoy día el público se podría identificar con esta pintura.

Arquitectura

Por Dailyn Gómez Serrano

Stonehenge, Wiltshire, Inglaterra

La arquitectura, según la literatura es el arte de proyectar y diseñar edificios u otras estructuras, que forman parte del ambiente humano. Desde la antigüedad, el hombre ha hecho el intento de crear edificaciones impresionantes, dando curiosidad a los espectadores. Nos resulta extraordinario y a la misma vez  difícil creer, que el ser humano haya hecho estas increíbles construcciones. Por otro lado, la arquitectura de este tipo, no solo pretende entretener de forma visual al espectador, sino que genera un sentido de utilidad, ya sea en su época de origen o en la actualidad. Algunas de las infraestructuras que han formado parte de la historia son: Stonehenge, el cual fue creado en la época paleolítica y se piensa que es un templo que pudo haber sido utilizado como centro de veneración, para cultos religiosos, como monumentos funerarios o para la observación astronómica.También tenemos la pirámide de Guiza, la cual fue hecha en el Antiguo Egipto. La misma era utilizada como tumbas para personas de alto rango social como el Faraón.

La gran pirámide de Guiza, Egipto

La gran pirámide de Guiza, Egipto

Un poco más tarde los griegos construyeron el Partenón, que en  un principio fue usado para guardar los tesoros de la ciudad y proteger la estatua de oro de Atenea Parthenos. Con el tiempo convirtiéndose así en un templo para la veneración de la Diosa Atenea. Estas y otras importantes arquitecturas nos han servido a través de los tiempos, como base estructural e inspiración para crear nuevos edificios. Gracias a estas magnificas obras estructurales, la arquitectura moderna se ha convertido en algo más que una simple construcción, logrando a su vez  el desarrollo turístico, cultural y monumental.

Partenon en Atenas, Grecia

En las edificaciones o estructuras modernas, muchos ingenieros y arquitectos, se han dado la tarea de construir edificios de gran escala, que en muchas ocasiones son vistos con buen gusto, pero otras lamentablemente no pudieron conseguir su objetivo. ¿Hasta qué punto los seres humanos llegarán para poder hacer una edificación que opaque o por lo menos compita con las de nuestros antepasados?

Debemos tomar en cuenta que cada estructura se realizaba o aún se hace con los cánones y materiales disponibles para la época. Sin embargo, esto no evita que ciertos edificios sean mejores que otros, refiriéndome a su exterior y estado de conservación.  Aparte de las edificaciones antes descritas, un buen ejemplo de  arquitectura moderna que más me ha llamado la atención y de la cual voy a estar hablando en esta ocasión,  se encuentra en Dubái. Este país está situado en el Golfo Pérsico, dentro del  desierto de Arabia. El mismo pasó de ser un país sin importancia,  a ser uno que guarda reliquias muy importantes para la historia de la arquitectura moderna. Todas los edificios que están en Dubái, han dado mucho de qué hablar. Tanto los lujos, como la variedad de edificaciones, le dan un toque de elegancia al lugar. Esta situación, da  paso a que este sea una zona turística e atractiva para las inversiones de ciertos empresarios. Entre varios de estos edificios encantadores y  primordiales de Dubái, se encuentra:   Burj Al Arab o Torre del Árabe. El hotel fue pedido por Jeque Mohamed y creado por el arquitecto Tom Wright. Inventado con la intención de que fuera un icono para Dubái.  Este es un complejo hotelero muy reconocido en el  mundo. Esto se debe a que su ubicación y su forma, lo hacen tentador al espectador. Esta razón hace que sea clasificado como un hotel 5 estrellas, aunque para el mundo es catalogado como el único 7 estrellas. Además tiene una altura de  aproximadamente de 321 metros, convirtiéndose así, en el tercer edificio más alto del mundo. Burj Al Arab, tiene una combinación de elementos claves, lo que lo hace un hotel esplendoroso. En el exterior, tiene el aspecto de un velero y está construido sobre una isleta o un cayo dentro del agua.  Es un edificio que tiene 28 pisos, lo cuales nos muestran una vista del interior, por la cantidad de ventanas de cristal que este posee. Justo a los lados, tiene una serie de piezas en acero que hacen la alusión que tiene alas. Estas alas son estilo V, van directamente hasta la punta de arriba o en este caso el tope de mástil, dándole entonces la forma del velero. En la azotea tiene una cancha de tenis, entre otras grandes atracciones. En el interior, consta de 202 suites, cada una con algo en especial. La decoración de las habitaciones, consta de mosaicos, acuarios, cortinas y alfombras en diferentes colores, que hace sentir a cada uno de los huéspedes como si estuvieran viviendo en la realeza. A parte de lo impresionante que es la hospedería, el creador del mismo tuvo una lucha interior, ya que intentaba competir con diversas edificaciones antiguas. Algunas de las estructuras que él deseaba quizás destronar es la Torre Eiffel, la cual está hecha de hierro pudelado y la Ópera de Sidney, hecha  con conchas pre-fabricadas. Estas eran un gran reto para él, ya que desde que estas  se construyeron siempre han traído consigo lo que muchos desean, la atención de los medios y de los turistas de todo el mundo, lo que trae consigo cifras millonarias para dicho país. Ahora les pregunto, ¿será  Burj Al Arab capaz de destronar o por lo menos competir  con estas importantes arquitecturas?

Burj Al Arab, Dubai

Burj Al Arab, Dubai

Para mi gusto, todas estas arquitecturas son espectaculares independientemente de su estado de conservación. Sin duda alguna, Burj Al Arab, es uno de los hoteles y estructura en general más asombrosa del mundo, no solo por sus impresionantes atributos y sus lujos, si no porque verdaderamente nos está ilustrando lo que el arquitecto quería representar, un velero. Esta tiene la capacidad para competir con las edificaciones antes mencionadas y otras arquitecturas con igual importancia. Sin embargo, cada una de estas estructuras deben ser catalogadas como únicas y especial en sí misma. No obstante, este hotel atrae a miles de personas del mundo para disfrutar de la espectacular vista, sin embargo, no creo que este sea lo suficientemente fuerte por lo menos para destronar a la famosa Ópera de Sydney. Esto no quiere decir que la Burj Al Arab, no sea importante, si no que para ponerlos en orden de preferencia, La Ópera de Sydney obtiene el primer lugar. La Ópera de Sydney, tiene una escena impresionante de luces en el atardecer, que es capaz de impactar a todo el que la ve. Es asombrosa tanto de día como de noche. En mi opinión, el segundo lugar es para Burj Al Arab, por su impresionante altura y por su forma en el exterior. En último lugar posiciono a La Torre Eiffel. Aunque para mí queda en tercer lugar, esta arquitectura es sumamente importante, porque va más allá de la infraestructura, ya que la misma nos representa lo que es la historia del arte francesa. Sin importar en qué posición en el mundo decidan poner a  Burj Al Arab, hay que destacar que tanto el arquitecto, como quien decidió hacer el edificio, hicieron un buen trabajo, ya que el mismo le da un toque de lujo al país. Lograron con su construcción, que Dubái se convirtiera en uno de los países más importantes para el mundo,  lo que a su vez atrae  a miles de turistas de todos los países a disfrutar del mismo, ayudando así a mejorar la economía del mundo.

Por Bárbara W. Pérez Rodríguez

            El  yaucano Carlos Raquel Rivera nunca aspiró a la fama o al reconocimiento por un gusto general de su obra. Sin embargo, descrito por Martorell como un artista rebelde, justiciero, cantautor de la patria y la poesía, Rivera obtuvo meritoriamente un reconocimiento en la historia del arte puertorriqueño (Martorell 22). Su evidente amor, orgullo patrio e incansable lucha por la independencia de Puerto Rico se ven constantemente presentes en su obra. Tenía un carácter rebelde, pero amó a su isla a un grado máximo, luchaba por sus valores y los defendía contra viento y marea.

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 Foto de Carlos Raquel Rivera

            Dado las infortunas de la vida, y eventualmente por su fuerte carácter, Rivera no tuvo una vida fácil. Cuando apenas tenía 8 meses de nacido fue abandonado por su padre, y no fue hasta su adolescencia que reapareció. Entonces se lo llevó a vivir con él por pedido de su nueva esposa. Pero, Carlos Raquel, debido a sus encontronazos y problemas personales, no tardó en marcharse de la casa de su padre.  Se dice que vivió en la calle por aproximadamente dos años; en la playa. Esto le obligó a enlistarse  en el ejército. Tenía que comer, no le quedaba otra opción.  Tras el ataque de Pearl Harbor, fue establecido en Hawái. Allí, durante dos años, estuvo “castigado” gran mayoría del tiempo pues su rebeldía le llevaba a incumplir con los mandatos. Pasaba gran parte del tiempo pelando papas.

Al regresar del ejército, se fue a estudiar arte a Nueva York. Al terminar sus estudios, regresó a la isla y comienzó a trabajar en diferentes talleres de arte, como: Taller de Juan Rosado, el Arte Sign Shop, la División de Educación de la Comunidad, mejor conocida como la DivEdCo, el Centro de Arte Puertorriqueño (CAP), entre otros. Además trabajó en conjunto con varios artistas importantes de la conocida Generación del Cincuenta. A pesar que fue dibujante, pintor, escritor, talentoso y creativo en cada uno de ellos, su aportación más significativa fue en el medio gráfico. Como es notable, en la gráfica puertorriqueña se destaca, de gran manera, un afán en representar la realidad del puertorriqueño. Con paisajes, escenas cotidianas que buscan retratar o de igual modo criticar, muchos artistas también plasmaban sus desacuerdos con la política y autoridad. Según expone Marimar Benítez, la gráfica de Carlos Raquel Rivera es un ejemplar de esto, pues en unas obras exalta la realidad del pueblo, mientras que en otras identifica las deplorables condiciones sociales con el régimen colonial norteamericano (Benítez 123).

Un perfecto ejemplar de esto es su linóleo titulado “Huracán del Norte” de 1955, ganador del Premio de las Naciones en la Primera Bienal Mexicana de 1958. Esta obra, impresa en negro sobre papel blanco, es de aspecto tétrico, fúnebre y sombrío. Presenta una diversidad de personajes, hombres y mujeres, que vuelan siguiendo al personaje principal de la obra: una figura con rostro de carabela quien lleva como señuelo una bolsa de dinero. Sus rostros reflejan angustia, desespero, y compiten unos con otros, halándose,  para llegar hasta el señuelo. Al fondo, en un segundo plano, se pueden apreciar muchas casitas muy conglomeradas, todas de madera y techo de zinc, un perfecto de retrato del típico barrio, de una comunidad de clase baja. Es menester señalar la magistral destreza técnica del artista y su gran atención por el detalle, ese que atrapa al espectador ante ella, haciéndolo descubrir cosas nuevas en cada rincón de la misma.

Por Carlos Raquel Rivera (1955)

“Huracán del Norte”

Por Carlos Raquel Rivera (1955)

Linóleo, Colección Privada

Marimar Benítez explica esta obra como una alegoría de los efectos nefastos de la presencia norteamericana en Puerto Rico (Benítez 123). Sin duda alguna, gran cantidad de personas sufrían necesidades y querían llevar el pan a su hogar. Así pues el gobierno americano tomaba ventaja sobre eso para abrirse paso y manejar la situación política en la Isla. Es por esto que podríamos deducir que Rivera pretende manifestar su indignación ante la reacción de su pueblo y a su vez de los americanos; pues ellos tenían el dinero y el poder, y los puertorriqueños por su parte, tenían muchas necesidades. Y en una situación económica como ésta, nuestros jíbaros cedían ante unas pocas monedas.

Otra de sus obras más relevantes, también un linóleo, es “Elecciones Coloniales”, de 1959. Esta obra, tiene una historia bastante interesante que refleja el ideal, quizá considerado irreverente para algunos, de su creador. Resulta que, inicialmente, esta obra era más grande. Fuerte e imponente, con un sombrero militar y bordeado de soldados que atacan, preside la escena, posada ante la multitud que caía al precipicio, el máximo ícono estadounidense: un águila.

“Elecciones Coloniales” (primera versión)

Por Carlos Raquel Rivera (1959)

Linóleo, Colección Privada.

Rivera realizó algunas pruebas de estado y de artista, pero posteriormente, tras un análisis de su obra, decidió picar la plancha de linóleo y eliminar la parte superior. Pensaba que tenía un águila muy imponente, y que no le debía tanta importancia al imperio. Así que en la versión finalmente decidida por el artista, apenas se puede percibir el águila, pues solo se aprecia parte de sus alas, de modo que notamos su presencia, pero no nos provoca sentir una valoración por ella. En esta se enfatiza mayormente el tumulto de personas quienes, seguidos de lo que aparenta ser una caravana, van cayendo por el precipicio

 elecciones coloniales final.jpg

“Elecciones Coloniales” (versión final)

Por Carlos Raquel Rivera (1959)

Linóleo, Colección Privada

            Pero la historia de esta obra no termina aquí. Martorell relata, en un artículo para la revista Boricua, sobre una invitación que le hicieron a Carlos Raquel para participar en una exposición colectiva en el Museo de la Universidad de Puerto Rico y este la declinó por motivos de ideal político. De algún modo, los organizadores se las ingeniaron para conseguir su obra y la montaron en el Museo.

El Museo obtuvo en préstamo un cuadro del pintor que éste había vendido ya hacía algún tiempo. La noche de la inauguración, Carlos Raquel, que ya estaba advertido del préstamo, se personó en el Museo y en actitud taciturna pero cortés se dirigió a donde estaba colgado su cuadro, procedió a descolgarlo con sumo cuidado y con una hacha lo hizo añicos, dio media vuelta, mordisqueó un “buenas noches” y se marchó a su casa (Martorell 22).

Finalizando una entrevista que me fue concedida por la hija de Rivera, me informó que la obra en cuestión había sido “Elecciones Coloniales” (Rivera 12).

Carlos Raquel Rivera, como un ferviente luchador por la independencia de Puerto Rico fue, en repetidas ocasiones, una víctima injusta del sistema por sus convicciones (Tió 304). Las vivencias experimentadas durante su infancia y juventud en su barrio en Yauco, posteriormente en Puerta de Tierra, los dos años que vivió en la calle y en la playa,  el racismo al que se tuvo que enfrentar mientras estuvo en el ejército, los atropellos y las encarcelaciones a  los que se enfrentó por protestar o hacer desobediencia civil; todas estas fueron las protagonistas y musas en la  producción de sus trabajos, tanto en la poesía como en el arte. Sin duda alguna, éstas lo encaminaron y lo formaron como artista. De tal manera que muchos coincidiríamos en la idea de que el arte salvó su vida, pues de cierto modo logró, mediante este, canalizar su rebeldía y sus corajes y así refutarle al gobierno y al imperio que tanto aborrecía, la miseria y la opresión en su patria.

Referencias

Benítez, Marimar. “La Década de los Cincuenta: Afirmación y Reacción”. Rico, Hermandad de Arstistas Gráficos de Puerto. Puerto Rico: Arte e Identidad. San Juan: Editorial de la Universidad de Puerto Rico, 1998. 115-139.

Martorell, Antonio. “Carlos Raquel Rivera: El garabato iluminado”. Boricua (2000): 21-23.

Rivera, Rosa. Entrevista a familiares de Carlos Raquel Rivera Bárbara W. Pérez Rodríguez. Añasco, 5 Abril 2012. 12.

Rodríguez, Bárbara Pérez. “La afirmación de la nacionalidad puertorriqueña mediante el arte a partir de la generación del cincuenta: Una comparación entre la obra de Rafael Tufiño y la de Carlos Raquel Rivera”. Investigación de Bachillerato, UPRM. Mayagüez, Mayo 2012.

Tió, Teresa. El Cartel en Puerto Rico. Ed. Milagros Pastor. México: Pearson Educación, 2003.

Pawel Kuczynski

Por Lilliana Solares Mendoza

    Pawel Kuczynski un artista polaco, graduado de la Academia de Bellas Artes en Poznan. Destacado por su colectivo de pinturas realistas con un tono de sarcasmo. Pawel Kuczynski ha logrado llamar la atención a quienes sus pinturas admiran, cautivándolos en el pensamiento deductivo. No solo por su estilo realista es un gran artista destacado, sino por su crítica tan precisa a la política y la sociedad; el arte como crítica o más que eso un medio de comunicación. Es una manera efectiva para demostrar nuestro descontento. Desde los tiempos más remotos, la pintura y la ilustración han sido muy efectivas como idioma. Definitivamente el arte de Kuczynski nos habla. Nos invita a concientizarnos sobre los problemas que ocurren alrededor del mundo.  Utiliza el arte como herramienta para llegar a nuestras psiquis y llevarnos de lleno a una experiencia totalmente humana.

    Para mi sorpresa, lamentablemente no se haya mucha información del artista polaco a pesar de que sus pinturas se difunden en la web desde el 2004. Sus pinturas se destacan por los colores pasteles y tonos saturados, composiciones muy limpias y equilibradas. Son obras lo suficientemente objetivas para una comprensión y sobre todo una crítica con éxito.

Paz (2006)

     Intentemos ponernos en los zapatos de Kuczynski e interpretemos sus obras, de esta manera se comprenderá mejor lo dicho anteriormente. Comenzaré con su obra “Paz” del 2006 (Ver imagen #1), en la cual con colores saturados, nos presenta un niño jugando con una paloma de la paz y soldados de juguete. El niño, que parece no tener más de un año, está sentado y lleva puesto en la cabeza un casco verde de soldado.  Literalmente esto presenta un soldado que juega con la paz, le da cuerda a la paloma para que se eche a volar. Esta imagen provoca un análisis hipotético de los posibles significados existentes. Apoya la interpretación de un gobierno abusivo que, sin duda alguna, con actitud de niño juega con la paz del mundo arrojando soldados a la guerra. Sin duda, una crítica directa al gobierno y sus abusos al ciudadano. Debo resaltar el estilo irónico que utiliza el artista, cómo se puede plasmar una triste realidad y llevarse a una escena llena de ternura como lo es un bebé jugando.

     Por otra parte, debo mencionar otra de sus obras más reconocidas “Esclavo” del 2008 (Ver imagen #2). Seguramente, otro descontento de Kuczynski hecho una obra de arte. Esta obra representa un hombre desnudo de raíces negras atado a unas cadenas por el cuello y las muñecas. Con un fondo amarillo, el hombre, al cual no se le descubre el rostro, pinta estas cadenas de color oro con un pincel. Aquel que observe esta obra con detenimiento, de seguro no tendrá solo una interpretación. Entonces, un esclavo que pinta sus cadenas, puede ser un esclavo que intenta cubrir su suerte añadiéndole algo de color. De igual manera, puede representar un hombre negro de la actualidad, que supuestamente ya no sufre los discrímenes de la población, pero por más que cambie el color de sus cadenas, eso seguirá siendo y lo seguirán atando, un color oscuro, que así mismo tuvo un pasado. Lo que me desenfoca de esta visión es la piel de este hombre, está muy limpia para ser un esclavo y su expresión un tanto orgullosa. Acaso ¿no es un esclavo por ser un hombre de color? sino que es esclavo por su ambición. Se cubre de oro con orgullo sin saber que se ata a sí mismo.  Aunque las obras del artista no impresionan por su técnica, que ya de por sí son envidiables, son sus contenidos lo que le dan dinamismo y pasión. El mensaje oculto y explícito a la vez que emite Kuczynski lo hace distinguirse de otros artistas realistas.

Esclavo (2008)

Continuando con el recorrido de pinturas, otra de ellas es “El Auto” del 2008 (Ver imagen #3). Tal y como lo hemos visto antes en el planeta, niños trabajando desde muy jóvenes para poder subsistir. Así lo vemos en esta pintura. Un niño blanco juega con su auto, que seguramente le regalaron sus padres, y otros dos, vestidos en trapos, intentan lavarlo.  Kuczynski intenta plasmar una burla dirigida al abuso del consumismo mercantil, el cual nos ciega de las verdaderas necesidades del mundo. Presenta a niños pobres, que al parecer su único juego es el trabajo mismo, y a niños mantenidos que defienden su pertenencia como un tesoro preciado. ¿No es esto un hecho real? Es tan verdadero como ver un marginado pidiendo limosna mientras nos dirigimos en nuestro auto hacia el trabajo. Nuevamente, vemos lo maravilloso de este artista, utiliza a niños cuando sabemos que estos son actos de adultos. Esto no solo es un juego de niños para Kuczynski sino un hecho real y lamentable.

El auto (2008)

     Por último, y no por restarle importancia, “Drogas” del 2006 (Ver imagen #4). En esta obra, el artista ilustra un brazo, que parece ser de un hombre, con un torniquete atado al mismo. El brazo tiene un rostro añadido parecido el de un bebé llorando y a su vez el dueño del brazo le ofrece un “chupete” a este aparente bebé para que termine el llanto. Inmediatamente que vi esta imagen supe que se trataba de un adicto intentando aplacar su adicción. Solo a un gran artista con inmensa imaginación se le ocurriría tal analogía. Dentro de su realismo, Kuczynski incluye un toque surreal que le añade distinción a la obra. Un tema común, desarrollado de una manera literal creativa. Esto llevando un mensaje universal a través de la ilustración artística. Como es siempre el trabajo de Kuczynski, un hecho verdadero que destruye al mundo, como es la droga.

Drogas (2006)

     Debo mencionar que Pawel Kuczynski fue galardonado en varias categorías en el International Cartoon Festival de España en el 2006, con obras como las que acabamos de ver. Después de este breve recorrido con algunas de las obras realizadas por el artista polaco, la conclusión es evidente. Estamos hablando de un artista del siglo XXI, un artista que se interesa en las situaciones que afectan al mundo entero. Es un artista real, que expresa su pensamiento en tono literal, sin manchas ni trazos confusos. Como él mismo lo expresa en una revista virtual en el 2012: “El arte moderno no interesa a la gente normal”,  porque de esta manera trabaja el mundo actual, los presuntos avances y progresos nos cubren la realidad en la que vivimos. Por esta razón, debo valorar el trabajo de Pawel Kuczynski, un artista realista y crítico de la misma realidad, un artista que con un poco de ironía lanza sus más serios ataques a aquello que hoy día nos arruina como un entero. Como el mismo artista nos dice: “Yo trato de convertir en dibujos mis observaciones sobre la condición humana”, esta es nuestra realidad y así la debemos pintar.

Por: Paola C. Morales Ortíz

Siempre se ha pensado que un artista es un creador de solo imágenes.  Pero, un artista no es tan solo esto, no se limita solo a eso.  Un artista es un creador de mundos e imágenes fantásticas o difíciles de imaginar.  Un artista utiliza su talento para crear imágenes u obras y enviar un mensaje a través de las mismas.  Es esto lo que hace el artista americano Kris Kuksi, crea mundos fantásticos y elaborados.  He tropezado con el arte o con el mundo misterioso e increíble de este artista varias semanas atrás.

Compleja.  Se puede decir que de esa forma es el arte de Kris Kuksi.  Nacido en Missouri, Kuksi se ha dedicado al arte toda su vida, habiendo comenzado a una edad temprana debido a la falta de tecnología como el televisor.  Su imaginación fue creciendo y por tal razón su arte es macabro y un poco tenebroso e inusual, ya que todo esto es algo que le ha fascinado por mucho tiempo.  Utilizó el periodo Barroco y el Rococó como inspiración para sus obras.  Esto es evidente, mayormente, en sus esculturas.  Las mismas son muy elaboradas, grandiosas y están llenas de detalles.  Es esto lo que precisamente caracteriza su arte, el gran detalle que el artista incluye y su estilo tan peculiar.  Es más conocido por sus esculturas muy elaboradas hechas en medio mixtas y a una escala mediana.

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“A Surrealist Carnival” de Kris Kuksi

Una de sus obras, la cual es muy interesante, es “A Surrealist Carnival.”  Tiene un color crema y numerosas figuras.  En ella se puede ver una carroza en forma de calavera con una corona en la cabeza desplazándose por una calle y pasando frente a una casa.  Hay diferentes animales y criaturas halando la carroza. Frente la casa, pero detrás de la carroza hay lo que parece ser un demonio con los ojos rojos.  A su lado hay personas con cuerpos de animales y animales con cuerpos humanos.  Detrás de la carroza hay más personas y se encuentra la parte baja de un cuerpo. También, hay personas que apuntan armas en dirección de la carroza, como para tratar de atacarla y destrozarla.  Las personas y criaturas en la escultura son de diversos tamaños y haciendo diferentes cosas.  En la parte de abajo de la escultura, hay más personas y hay también un carrusel.  Todo esto está frente una especie de techo, simulando un teatro, con numerosos detalles, patrones y diseños.  Como se puede deducir por el título, esta obra es Surrealista.  El Surrealismo fue un movimiento literario y artístico de vanguardia que se crea en Francia por el poeta y crítico André Bretón en el año 1924.  Es un movimiento caracterizado por obras fuera de lo normal con temas que parecían ser sacados directamente de un sueño.

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“The Garden of Earthly Delights” de Hieronymus Bosch

La obra de Kuksi, a pesar de estar muy cargada de diferentes elementos, no se ve desorganizada.  No parece tener elementos que no van con la obra.  Es una obra muy simbólica, como lo son la mayoría de sus obras.  Es también una muy buena combinación de arte y arquitectura.  Como he mencionado anteriormente,  la obra tiene elementos del Surrealismo, en el sentido que es como si ignorara la razón, pero a la misma vez tiene simbolismo y trata de brindar un mensaje.  Recuerda un poco a la obra “The Garden of Earthly Delights” del artista Hieronymus Bosch.  La obra de Bosch es un tríptico en el que se puede ver el cielo, el purgatorio y el infierno cada uno en un panel.  En el panel del cielo hay tres personas acompañadas de numerosos animales y una construcción fantástica en el centro de una pradera dentro de un lago.  En el panel del centro hay muchas personas y animales,  y todos están en una pradera con numerosas construcciones que son castillos.  En la pintura a la derecha, es el infierno, en el mismo hay muchos edificios en fuego, es de noche y las personas están muertas, llorando, corriendo o en dolor.  En el panel del infierno hay varios instrumentos: uno de música, uno para fumar, dos cuchillas.  Hay, también, mucho caos.    Esta obra es similar a la de Kuksi en el número de personas que hay en ella haciendo diferentes cosas.  Es también muy similar en el estilo, aunque las diferencias son numerosas también.  Además de ser una pintura, es más viva y más desorganizada que la obra de Kuksi.  También incluye unas construcciones de apariencia futurística y curvas, mientras que los edificios en la obra “A Surrealist Carnival” son más cuadrados y precisos.

La pintura de Kuksi, por otro lado, es un poco menos dramática pero llena de colores brillantes y llamativos como se puede apreciar en su obra “Whimsical Boy.”  En esta pintura podemos ver el cuerpo de un niño,  pero este niño no es normal.  En vez de tener una cabeza normal, su cabeza es una calavera.  Su cuerpo es pequeño y está casi completo al descubierto.  Se pueden ver los huesos de las costillas, pero no a través de la piel.  Sus piernas tienen piel, pero están cortadas en la mitad.  También se pueden ver todos los órganos.  Detrás del niño, se puede ver algún tipo de máquina que al mirarla detenidamente podemos ver que son pistolas.  También se pueden ver las estrellas.  Es una pintura con colores calientes y pocos colores fríos.  Predomina el rojo y el único color frío en la obra es un turquesa claro.  Esta es una obra contiene numerosas características surrealista como el uso de colores brillantes y el tema un poco absurdo e inusual o como si fuese un sueño.

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“Church Tank Type 1” de Krist Kuksi

Otro elemento que caracteriza las obras de Kuksi, es la crítica social que él hace a través de ellas.  Un gran ejemplo de esto, es su escultura “Church Tank Type 1”.  En esta obra podemos ver un tanque de guerra y en la parte superior del tanque hay una iglesia de estilo gótico.  El Arte Gótico, es un estilo que surge en Francia en el Renacimiento, el cual se caracteriza por sus edificios altos y elegantes que a la misma vez son muy elaborados.  Desde la puerta de la iglesia sale la pistola principal del tanque.  La obra es de color piedra.  Es mi opinión  que esta obra es una crítica en contra de la iglesia.  Creo que con esta obra, el artista trata decir como la iglesia está, en cierta forma, unida con la guerra.  Como (aunque tratan de patrocinar la paz) siempre están envueltos en algún conflicto o promueven,  de cierta forma, algunas guerras como lo fueron Las Cruzadas.

El arte de Kris Kuksi es complejo y enigmático.  Tiene cierto misterio característico del movimiento Surrealista,  pero a la misma vez toma elementos del Barroco y del Rococó.  Son obras muy elaboradas y muy bien trabajadas.  Creo que es esto lo que hace que sea un artista del cual se debe conocer más.  Se puede ver a través de sus obras,  que es un artista dedicado y su arte es uno que podría impactar si tan solo se le diera la oportunidad.  Además, que con cada obra crea un mundo nuevo e imaginativo que invita a ser visitado.

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